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MensajePublicado: Mar Jun 02, 2009 20:59 
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Un joven en plena madurez
El pianista Lang Lang asombró en el concierto de Madrid


http://www.elpais.com/articulo/cultura/ ... icul_8/Tes


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MensajePublicado: Sab Jun 06, 2009 12:41 
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anda! y cuándo ha sido ese concierto, Trompa?? Lang Lang iba a tocar aquí en Valladolid, pero lo suspendió porque se ve que tenía sinusitis y faringitis. así que nos tocará esperar para verlo por aquí

_________________
http://www.lastfm.es/user/pablopiano


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MensajePublicado: Sab Jun 06, 2009 13:39 
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El concierto fue el sábado pasado el el Auditorio Nacional... Tenía ganas de ir a verlo pero estuve unos días fuera de Madrid (también lamenté perderme a Colina Miralta Sambeat!).

Lang Lang (Shenyang, 1982). El maestro chino interpretó al piano obras de Schubert, Bartók, Debussy y Chopin. El músico lleva más de dos décadas tocando un instrumento que en su país eligen 20 millones de niños como base para sus estudios de música. Ha colaborado con grandes orquestas y directores del mundo. Lang Lang empezó a tocar el piano con poco más de dos años, cuando después de ver un capítulo de la serie de animación Tom y Jerry tocando Rapsodia húngara número 2, de Franz Liszt, decidió subirse a un taburete y poner sus manos sobre las teclas.


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MensajePublicado: Mar Jul 07, 2009 08:08 
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Público:

Un disco resume el "amor"
de Joaquín Rodrigo por la música
a los 10 años de su muerte


http://www.publico.es/agencias/efe/2360 ... nos/muerte


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MensajePublicado: Dom Oct 04, 2009 07:43 
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Músicas de un siglo

Por Antonio Muñoz Molina


A Gustav Mahler le gustaba pasear por Nueva York con una libertad de la que nunca había gozado en Viena, y asomarse a mirar el cielo y la agitación de las calles desde las ventanas altas de los edificios. Le entusiasmaba el metro, que en la época de su llegada a la ciudad era una innovación muy reciente, y prefería tomarlo o caminar por la calle en vez de viajar en el automóvil con chófer que le correspondía como director de la Filarmónica. Asistió a una sesión de espiritismo en el gabinete de una vidente célebre y en un callejón de Chinatown se atrevió a internarse en un fumadero de opio. Nos cuesta imaginar a este héroe de la más densa cultura europea sumergido en América: las gafas de pinza, la frente enorme, el cuerpo desmedrado, su figura reconocida con asombro por un músico en un vagón de metro o apareciendo entre el tumulto de Broadway. Pero en Nueva York debió de vivir en ese estado entre de alerta y de inminencia que la ciudad provoca muchas veces en quienes llegan a ella, exaltado por el alivio de estar lejos de una Viena que se le había vuelto irrespirable, volcado en el descubrimiento de una nueva energía que estaba latiendo a su alrededor y también dentro de sí mismo. Lo veo todo en una luz tan nueva, estoy en tal estado de transformación que a veces no me sorprendería encontrarme de repente en un cuerpo nuevo. Estoy más sediento de vida que nunca...

La historia, y la cita de la carta de Mahler a Bruno Walter vienen en un libro de Alex Ross que se titula originalmente The Rest Is Noise y que Seix Barral acaba de publicar en español llamándolo, de manera algo chocante, El ruido eterno. Alex Ross escribe de música con apasionamiento y claridad en The New Yorker: tiene el raro talento, inseparable del entusiasmo, de trasmitir con palabras la experiencia de un arte no verbal, con una vehemencia parecida a la que pone Robert Hughes escribiendo sobre pintura, y con una capacidad de explicar que a mí me recuerda la que encontré hace muchos años en el historiador del arte Giulio Carlo Argan. Hay historiadores y críticos que parecen empeñados en cumplir el dictamen de Nietzsche: enturbian el agua para que parezca más profunda. El crítico arrogante interpone su palabrería por delante de la obra a la que en el fondo quisiera suplantar, como ese guía charlatán que tapa con su corpulencia y su gesticulación el retablo o la capilla que nos está explicando. Alex Ross hace exactamente lo contrario: se enfrenta a una materia considerada oscura, ajena, en gran medida hostil, la música del siglo XX, y vuelve luminosa su dificultad al vincularla a los hechos históricos y a las vidas cotidianas, arrancándola de ese limbo de hermetismo y de ignorancia en el que por culpa de unos y otros queda casi siempre recluida, por culpa de un malentendido que curiosamente no afecta a otras zonas del arte moderno. Picasso y Stravinski trabajaron juntos y vivieron simultáneamente los periodos más fértiles de sus talentos creativos, pero Picasso es un artista que todo el mundo acepta y disfruta, mientras que Stravinski sigue envuelto, en la medida en que su nombre se reconoce, en un halo de rareza. La misma persona que sabe apreciar a Kandinsky, a Mondrian o a Paul Klee sentirá rechazo hacia Arnold Schönberg sin haberlo escuchado nunca. En las emisoras de radio y en las salas de conciertos, con muy raras excepciones, el siglo XX es un espacio casi en blanco, y su segunda mitad un completo vacío. Una mirada con algo de sensibilidad visual se dejará hechizar con un latido de estremecimiento por los espacios sucesivos de color que se van descubriendo gradualmente en un lienzo de Mark Rothko: pero para un oído contemporáneo la música que esa pintura inspiró a Morton Feldman resultará con facilidad incomprensible o irritante o simplemente tediosa.

Críticos, programadores, teóricos, legisladores de la modernidad, dividen la música en territorios estancos, en escuelas incompatibles entre sí: o tradición o vanguardia, o música popular o música culta, o ruptura o folclore. Alex Ross muestra que esas fronteras, tan queridas por los pedantes, o por los que aspiran a expedir certificados de vanguardismo o autenticidad, no han existido nunca para los músicos de verdadero talento, que son siempre más abiertos y más generosos que los discípulos fundadores de ortodoxias. En su placentero exilio de California Arnold Schönberg jugaba al tenis con George Gershwin, con Charlie Chaplin y con Paulette Goddard, que era entonces la mujer de Chaplin, y de la que Gershwin estaba enamorado en secreto. Cuando Gershwin murió, tan tempranamente, en 1937, Schönberg le dedicó un homenaje conmovido de admiración y amistad. Y Gershwin había compuesto Porgy and Bess teniendo muy presente el ejemplo del Wozzeck de Alban Berg, aunque algunos críticos crueles no le ahorraron la amargura de sugerirle que escribir ópera era un empeño muy por encima de sus posibilidades, y de que debería limitarse a componer canciones de Broadway. La originalidad tan moderna de Béla Bartók está enraizada en las canciones campesinas que recogía a principios de siglo en la grabadora de cilindros de cera marca Edison con la que viajaba tan trabajosamente por las montañas de Transilvania. Ahora cualquier bobada con acompañamiento de flauta o tamboril recibe la calificación prestigiosa de mestizaje: en 1889 Claude Debussy escuchó por primera vez, en la exposición universal de París, las músicas de Vietnam y de Java, y quedó tan influido por ellas como por las melodías arcaicas del cante flamenco. Steve Reich y György Ligeti se han inspirado en las polifonías vocales y rítmicas de Ghana y Tanzania. Las voces delirantes de la liturgia ortodoxa, los aires del jazz y del tango atraviesan la música de Stravinski, igual que el jazz y los ritmos africanos de Brasil están en los paisajes sonoros de Darius Milhaud.

El siglo XX es una fiesta incomparable de sonidos que chocan, se superponen, se suceden, la banda sonora de una historia cuyos abismos de trastorno y carnicería han sido tan reflejados por la música como sus grandes oleadas de entusiasmo y promesa. Un día de 1949 Charlie Parker estaba tocando el saxo alto en un club de Nueva York y al abrir los ojos vio en una mesa junto al escenario a Ígor Stravinski, y al cabo de unos segundos el caudal de su improvisación estaba incluyendo melodías de El pájaro de fuego. Antes de marcharse a América Gustav Mahler dirigió en Viena un Tristán e Isolda en el que el despojamiento de la escenografía resaltaba la sensación de distancia y letargo y obsesión sexual de la música y en las gradas más altas del gallinero un Adolf Hitler muy joven y hambriento cerraba los ojos en un trance de morbosa embriaguez. Las historias, las músicas, se encabalgan las unas sobre las otras, acaban componiendo el gran tapiz de los sonidos de un siglo: un continente en gran parte ignorado en el que será tan estimulante aventurarse como en las páginas de Alex Ross, leyendo y escuchando, dejándose guiar por ellas.


El ruido eterno. Alex Ross. Traducción de Luis Gago. Seix Barral. Barcelona, 2009. 800 páginas. 24 euros. http://www.therestisnoise.com/


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MensajePublicado: Jue Oct 15, 2009 20:13 
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Este creo que es uno de esos discos que le encantan a Osby... :juas


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La voz secreta
Por Stefano Russomanno.


En 1973, Peter Tompkins y Christopher Bird publicaban un muy controvertido libro titulado La vida secreta de las plantas. A través de experimentos realizados con un galvanómetro (un medidor de la conductividad eléctrica), los autores sostenían que las plantas muestran capacidades sensitivas parecidas a nuestras emociones. Aunque las tesis de Thompkins y Bird fueron pronto desarmadas por la comunidad científica, el libro se convirtió en un best-seller y goza todavía de cierto predicamento en los ambientes de la new age.

En su disco Catalogue de plantes, el belga Bob Verschueren no defiende desde luego postulados tan polémicos, pero nos habla de que las plantas poseen cuando menos un sonido propio. Verschueren no es un músico, sino un artista plástico. Su obra utiliza materiales vegetales dentro de un marcado espíritu ecologista. Desde que en 1983 su instalación Square invitara a los asistentes a enterrar en el suelo una escultura biodegradable, lo vegetal le ha servido para estimular una reflexión sobre el carácter efímero y frágil de la existencia, atrapada en una perpetua oscilación entre vida y muerte. A menudo, las instalaciones de Verschueren explotan el factor temporal con el empleo de elementos -como hojas y tallos de plantas- susceptibles de secarse y marchitarse poco a poco. Lo que queda al final, lo barre la escoba.

En 1987, el sonido producido por la caída de secciones de un tronco de arce que estaba montando le impulsó a explorar la dimensión sonora del mundo vegetal. Verschueren descubrió que cada vegetal posee una gama propia de sonidos que pueden producirse a través de múltiples manipulaciones. Luego, el artista se encarga de captarlos y amplificarlos con la ayuda de micrófonos muy sensibles. Así han nacido, a lo largo de casi dos décadas, las piezas que componen Catalogue de plantes. La calidad de los materiales sonoros conseguidos obligó a Verschueren a enfocar el trabajo desde una perspectiva diferente a la de su obra plástica: «Al principio, quería obtener composiciones sobrias, cercanas a la atmósfera serena que se desprende de mis instalaciones. ¡Error flagrante! Todos los ruidos que yo captaba eran percusivos, y esto en un primer momento me ha inquietado. Era algo totalmente inesperado y tenía que aceptarlo».

Escenarios fantásticos. Catalogue de plantes es una música recia, que no hace concesión alguna al oyente. Cada capítulo tiene un protagonista: alcachofa, bambú, banano, cárex, zanahoria, apio, col, abeto, fresno, maíz, pino, puerro, rosa y carrizo. Sin embargo, la mayoría de las veces resulta imposible reconocer qué vegetal tiene entre manos el artista. El propósito de Verschueren es crear escenarios fantásticos, universos inauditos, a partir de lo conocido. De ahí emergen unos paisajes acústicos excéntricos y misteriosos, animados por un dinamismo sosegado, capaces de despertar con su curiosa declinación de roces, crujidos, susurros, chasquidos y chisporroteos, las analogías más imprevisibles.

Catalogue de plantes se sitúa en la estela de la música concreta de Pierre Schaeffer, a cuyo perfil existencialista contrapone una mirada más ecologista. Una propuesta peculiar y no fácil, que sin adornos ni maquillajes intenta poner al oyente cara a cara con la voz secreta de las plantas.

ABC


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MensajePublicado: Dom Oct 18, 2009 09:21 
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Simon Rattle: «La música no es un lujo, sino una necesidad»

Susana Gaviña / ABC

"(...) una orquesta del siglo XXI tiene que cumplir dos requisitos: estar comprometida con la música de su tiempo y con su entorno social"


http://www.abc.es/abcd/noticia.asp?id=1 ... 919&sec=33
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MensajePublicado: Mar Oct 27, 2009 08:28 
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Malikian toma la batuta de 'El conciertazo'

http://www.elpais.com/articulo/Pantalla ... irtv_1/Tes

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MensajePublicado: Mié Nov 04, 2009 23:38 
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MensajePublicado: Jue Nov 05, 2009 03:04 
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Hiramson escribió:
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:dont_know


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MensajePublicado: Jue Nov 05, 2009 07:18 
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Que me suscribo al post.

:wine


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MensajePublicado: Mar Nov 24, 2009 14:30 
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La nueva música española
Guerrero, Halffter, Rueda, Sotelo, Sánchez-Verdú y Camarero inician la colección de libro-discos Anemos


JAVIER PÉREZ SENZ 21/11/2009


Antes de sonar, un disco nos puede cautivar como objeto artístico. El diseño de la portada, las ilustraciones escogidas, la calidad del papel, hay muchos elementos en juego a la hora de editar discos, que es, como afirma con orgullo el octogenario Bernard Coutaz, fundador de Harmonia Mundi, "un oficio tan bello y artesanal como editar un buen libro". En este sentido, la nueva colección de libro-discos Anemos, consagrada en cuerpo y alma a la música contemporánea española, nace con un original e innovador diseño de Valentín Iglesias que convierte cada portada en un objeto único. El juego, sencillo, permite personalizar cada ejemplar mediante la colocación en las cubiertas de pegatinas reutilizables con motivos que evocan gráficamente la temática musical de cada disco. Pero de nada sirve una exquisita presentación si falla el contenido. No es el caso, porque Anemos, que toma el nombre de una obra del prematuramente desaparecido Francisco Guerrero, encierra en cada volumen parte de la mejor música que actualmente se hace en España. La colección es una iniciativa del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), del Ministerio de Cultura, realizada por Diverdi y Glossa Music, y su primera entrega no tiene desperdicio: seis volúmenes en formato libro-disco consagrados a César Camarero, Cristóbal Halffter, Jesús Rueda, Mauricio Sotelo, José María Sánchez-Verdú y el citado Francisco Guerrero.

La elección de Guerrero para abrir la colección no es casual. Su música abrió fronteras y el objetivo de Anemos (del griego: viento, aire que se mueve) no es otro que difundir la creación española al mismo nivel que los mejores sellos especializados del mundo. Nuevos aires para la música española, defendida en esta ocasión por intérpretes de gran calidad. El primer volumen dedicado a los soberbios cuartetos de cuerda de Cristóbal Halffter cuenta con una formación de referencia, el Cuarteto Arditti; el álbum consagrado a Mauricio Sotelo, y su sorprendente De oscura llama, que explora las esencias del cante flamenco y la voz del cantaor como fuente de energía sonora, reúne un magnífico equipo en el que destacan Arcángel y el Ensemble Residencias, integrado por el Trío Arbós y el grupo Neopercusión, dirigidos por el compositor. El Grup Instrumental de València y Jordi Cervelló ofrecen un estimulante retrato de la obra de cámara de Francisco Guerrero, con la participación de las sopranos Pilar Jurado y Jacqueline Squarcia, mientras que el conjunto Drumming, dirigido por Miquel Bernat, interpreta con maestría la refinada obra para percusión de Jesús Rueda. En la primera entrega se pueden disfrutar los sutiles paisajes poéticos de César Camarero (34 maneras de mirar un vaso de agua), a cargo del Taller Sonoro, y una original ópera de José María Sánchez-Verdú que habla de la escritura, Gramma, dirigida por Rüdiger Böhm al frente de la Sinfónica de Lucerna y las voces de Simone Stock, Daniel Johanssen, Howard Quilla Croft y Tom Sol.

La creación musical atraviesa, a pesar de la crisis, un momento de gran vitalidad en España, con varias generaciones de compositores en activo que ofrecen un panorama de desbordante riqueza y variedad. Por eso los seis nombres escogidos en la primera entrega son sólo una muestra; quedan muchos otros compositores que merecen estar presentes en una colección a la que, por tanto, hay que desear una larga y fecunda vida.

Anemos. Diverdi y Glossa Music (www.diverdi.com/anemos).


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MensajePublicado: Lun May 03, 2010 19:00 
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¿Quién es el jefe?

http://www.pagina12.com.ar/diario/contr ... 05-02.html

_________________
"Había aprendido sobradamente en su vida cuánto hay que valorar toda sincera inclinación en un mundo donde imperan, en realidad, la indiferencia y la apatía."
Goethe, en Las afinidades electivas.


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MensajePublicado: Mar May 04, 2010 11:01 
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Registrado: Dom Feb 15, 2009 10:35
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Ubicación: León -España-
zoógrafa escribió:

Hola a todos.
Ese artículo se refiere a esta legendaria grabación:

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Legendaria lo es, ciertamente, y no sólo por la anécdota que se cuenta en el artículo en sí, que queda recogida en el primer track del disco, sino también por la interpretación, que aunque a un purista le parecerá un tanto descabellada, es realmente excelente, como todo lo que salió de las manos y del genio irrepetible de Gould.

Particularmente, estoy más de acuerdo con Bernstein que con Gould en cuanto a la cuestión que plantea: creo que debe ser el director el auténtico boss, ...con la excepción de un caso tan sumamente especial como este, claro :juas...

Creo que ya lo he dicho por aquí alguna vez: a mí la interpretación que más me gusta de este concierto es, sin embargo, otra en la que el director es Bernstein también, aquí con la Filarmónica de Viena, pero el solista era allí un jovencísimo (se grabó nada menos que en 1984) Krystian Zimerman, y desde luego que suena mucho más brahmsiano que con Gould, al menos según lo veo yo...

La portada era esta:

[ img ]

Desgraciadamente, creo que Deutsche Grammophon lo tiene en la actualidad descatalogado en beneficio de otra grabación posterior (año 2005) del mismo concierto por el propio Zimerman bajo la dirección de Simon Rattle con la Filarmónica de Berlín que, aun con un pianista evidentemente mucho más maduro y concienzudo, sin embargo no me convence tanto y cuya portada original es esta:

[ img ]

Me vuelvo a la tarea.

Salud.
Nota: Reeditado para reinserción de imagen.

_________________
Luis 'Osby'. Jazzmaníaco impenitente :ugeek:


Última edición por Osby el Mié Sep 29, 2010 17:50, editado 1 vez en total.

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MensajePublicado: Dom May 09, 2010 23:44 
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Qué buen aporte, Osby! Se me había olvidado que Coltrane no es único especialista en clásica de Jazzitis. :wine

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"Había aprendido sobradamente en su vida cuánto hay que valorar toda sincera inclinación en un mundo donde imperan, en realidad, la indiferencia y la apatía."
Goethe, en Las afinidades electivas.


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MensajePublicado: Mar Sep 28, 2010 16:44 
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[ img ]

:rezo


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MensajePublicado: Mar Sep 28, 2010 18:11 
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Registrado: Lun Mar 02, 2009 10:13
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Buenas.

Disfrutando de la maravillosa Sonata Arpeggione de Schubert a cargo de Mischa Maisky y la pianista Daria Hovora.

[ img ]

El disco también incluye una selección de canciones (lied),pero la voz solista la sustituye el violonchelo.

Un disco fantástico. :rezo


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MensajePublicado: Mar Sep 28, 2010 18:22 
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Registrado: Dom Oct 18, 2009 09:47
Mensajes: 161
Muti comentando el Requiem de Verdi con la Sinfonica de Chicago:

http://www.youtube.com/watch?v=oqNcbibLyuA

:rezo


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MensajePublicado: Dom Oct 03, 2010 00:20 
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Mensajes: 3139
Ubicación: Barcelona
Para un simple aficionado no músico como yo, es bonito ver a un director hablando a sus músicos en términos emocionales antes que técnicos. Un gusto este vídeo.

_________________
http://www.lastfm.es/user/cgardeta


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MensajePublicado: Dom Oct 03, 2010 08:16 
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Registrado: Lun Ago 30, 2010 09:38
Mensajes: 140
Boquerón escribió:
Buenas.

Disfrutando de la maravillosa Sonata Arpeggione de Schubert a cargo de Mischa Maisky y la pianista Daria Hovora.

[ img ]

El disco también incluye una selección de canciones (lied),pero la voz solista la sustituye el violonchelo.

Un disco fantástico. :rezo


Por recomendación me hice con una versión de esta Sonata (completada con dos trios de cuerdas), la de Harmonia Mundi de los ochenta (colección asequible Musique D'abord) y no me cansaré de escucharla. Entre el cello y el piano (aunque no estuviera concebida originalmente para él), el diálogo es sobrecogedor, tanto en los momentos más intensos, como en los más relajados. Gran pieza.


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